Les visages de son peuple font écho à la «longueur atténuée des traits du visage» des figures créées par les Olmèques, la première grande civilisation du Mexique. Israël dit que sa série de sculptures en terre cuite grandeur nature intitulée "Figurative Language, 2007-2008" "défie nos hypothèses de genre, d'ethnicité et de culture". Et enfin, l'artiste a étudié de manière approfondie la formulation, l'application et la cuisson de la majolique italienne, trouvant que la surface de la majolique était "magnifiquement adaptée au rouge chaud de la terre cuite". Avec une palette aussi riche dans laquelle puiser, il n'est pas étonnant qu'Israël soit le seul artiste américain à avoir remporté le Fletcher Challenge Premier Award.

Vous voyez-vous comme un sculpteur ou un artiste de l'argile ? Et la distinction importe-t-elle même?

ISRAËL : Il y a une nette distinction : un artiste de l'argile se concentre exclusivement sur les supports céramiques. J'ai été "élevé dans l'argile" sur le tour du potier, une pratique que j'apprécie toujours beaucoup, et j'enseigne le lancer du tour une fois par an. J'ai étudié avec des maîtres lanceurs : Byron Temple au Pratt Art Institute et David Kuraoka à la SF State University. Mon processus de sculpture pourrait être décrit comme un lancer au ralenti, où je construis mes pièces à partir de grandes bobines, tournant autour de la pièce pendant que je construis. L'alchimie de l'émaillage, de la conception de la formule à l'application et à la cuisson au four, sont des pratiques d'art céramique nécessitant des années de pratique dédiée. Donc l'argile est ma fondation. Cependant, je suis d'accord avec Rene Di Rosa sur le fait que ce qui est important n'est «pas de quoi il est fait, mais de quoi il est fait».

Y a-t-il une histoire qui se raconte avec vos pièces ? Un récit que vous souhaitez transmettre ? Ou ces créations sont-elles délibérément laissées à durée indéterminée ?

ISRAËL : Chaque pièce a une histoire. Mais ce qui me fascine continuellement, c'est la façon dont une pièce intensément personnelle sera revendiquée par le public comme sa propre histoire, même lorsque les détails qui informent l'œuvre sont tout à fait uniques pour moi. J'ai donc, avec plaisir, abandonné toute idée dont j'avais besoin pour rendre le travail plus général pour qu'il communique largement.

ISRAËL : J'ai grandi en lisant des histoires d'animaux. Wind in the Willows, White Fang et les bêtes de science-fiction, télépathiques et post-apocalyptiques d'Andre Norton combinées à la chance d'un enfant de la ville exposé chaque été aux champs, aux bois et aux basses-cours de la côte est, du Maine à la Pennsylvanie. J'avais des poissons de compagnie, des souris, un opossum, des chats, un poulet, des chiens et des oiseaux, et j'ai également passé de nombreux moments enchantés à observer les animaux sauvages.

Une telle enfance a laissé l'imagination d'Israel "libre de vagabonder".

ISRAËL : J'ai inventé un récit d'aventure multiculturel, polythématique et continu pour toutes mes relations avec les animaux, et il est logique que cela se traduise par la sculpture. Certes, nous sommes tous ici ensemble sur cette planète pour le même voyage.

On se demande si l'artiste crée sa propre spiritualité unique : un nouveau peuple formé du passé mais avec un œil sur ce qui pourrait être possible pour nous dans le futur.

ISRAËL : J'ai été élevé par un peintre et un écrivain de cultures très différentes, et l'un des compromis qu'ils cherchaient, en matière spirituelle, était la fraternité dans la Société des Amis, ou Quakers. Ainsi, dès mon plus jeune âge, on m'a enseigné la tolérance universelle, le pacifisme mondial et le partage équitable des ressources. Le message le plus puissant était probablement la reconnaissance de l'étincelle divine en chacun, partout. J'ai également bénéficié de la pratique inhabituelle, à partir de six ans, de m'asseoir en méditation silencieuse en groupe pendant une heure chaque semaine, ce qui a développé ma pensée et mon imagination en me libérant de toute distraction.

Alors, qu'est-ce que c'était spécifiquement le médium de l'argile avec lequel vous vous êtes connecté en tant qu'artiste ? Était-ce l'aspect sensuel, cette relation tactile entre les mains, les doigts et l'argile ?

ISRAËL : L'argile est un matériau remarquable, nécessitant une attention à ses qualités de mise en forme à travers une série d'étapes qui s'apparentent au travail de la pâte à pain, du cuir, du plâtre, du bois et du verre. Il y a toujours plus à apprendre tout au long de la vie de l'artiste ; Peter Voulkos a un jour décrit toute sa vie professionnelle comme "la cour à l'accidentel". L'aspect tactile et la fraîcheur immédiate de l'argile sont irrésistibles, et le procédé est une métaphore de l'effort humain. Il existe un paradoxe inhérent lorsque l'on travaille avec un matériau aussi réactif que l'argile. Des traces de toucher – empreintes digitales, coups de doigts – se forment, instant après instant, avec une fidélité implacable. Ce contact intime de la main et de l'argile reste bien au-delà du processus, au-delà même de la vie de l'artiste ; c'est un enregistrement permanent de l'impermanence.